Your address will show here +12 34 56 78
علم و دانش

موسیقی جاز و بلوز شباهت‌های زیادی با یکدیگر دارند. هر دو به وسیله سیاه‌پوستان آمریکا و در جنوب ایالات متحده، در نیمه دوم قرن نوزدهم متولد شدند و پس از آن در دهه‌های اوایل قرن بیستم به سایر مناطق گسترش یافته‌اند؛ هر دو دارای نت غمگین بلو هستند که از تغییر شکل یک نت خاص به ربع‌پرده یا نیم‌پرده به وجود می‌آید و هر دو از اصل بداهه‌پردازی بهره می‌گیرند. این دو سبک تاثیرات زیادی بر موسیقی پاپ در آمریکا داشته‌اند. در ادامه به بررسی دقیق‌تر این دو سبک می‌پردازیم.

تمرکز اصلی موسیقی جاز بر بداهه‌نوازی، بداهه‌خوانی و پویایی یک گروه است این در حالی است که موسیقی بلوز تنها بر یک نوازنده، یک خواننده و یک محتوای منحصر به فرد تمرکز دارد. اکثر قطعات جاز ملودی هستند اما قطعات بلوز غالبا کلام دارد. بلوز پایه و جزئی از موسیقی جاز است این در حالی است که عکس آن صحت ندارد. در واقع می‌توان گفت یکی از شاخه‌های جاز که به توسعه آن هم کمک کرده است بلوز یعنی موسیقی مخصوص سیاه‌پوستان است. بلوز حدود یک سوم موسیقی جاز را تشکیل می‌دهد.
صدای موسیقی بلوز تا حدودی به سبک کانتری شباهت دارد با این تفاوت که کانتری بیشتر برای رقص و شادی است و بلوز تا حدود زیادی شامل موسیقی‌های محزون می‌شود. صدای موسیقی جاز تا حدود زیادی شبیه به بلوز و کانتری است و برای شخصی که تمام عمر موسیقی کلاسیک گوش داده صدایش کاملا جدید و عجیب است.

جاز در ابتدا موسیقی سازی و بلوز موسیقی سازی و آوازی بود.

مبدا بلوز به قرن نوزدهم میلادی در ایالات جنوبی آمریکا، میسیسیپی، تگزاس و شیکاگو برمی‌گردد. در مقابل جاز مربوط به جوامع آفریقایی آمریکایی، نیواورلئان، شیکاگو و نیویورک در قرن بیستم میلادی است.
اولین قطعه‌ی بلوز به سال ۱۹۰۸ میلادی و اولین قطعه‌ی جاز به سال ۱۹۱۸ میلادی برمی‌گردد. در بلوز سبک موسیقی بومی آمریکایی آفریقایی و در جاز تلفیقی از سبک موسیقی اروپایی آفریقایی دیده می‌شود. سازهای رایج در بلوز گیتار، بیس، پیانو، سازدهنی، کنترباس، درامز، ساکسیفون، ترومپت و ترومبون است و اما از جمله سازهای رایج در جاز می‌توان به گیتار، پیانو، بیس، ساکسیفون، ترومپت، کلارینت، درامز، توبا و کنترباس اشاره کرد.
مشتقات موسیقی بلوز بلوگرس، جاز، آراندبی، راک‌اندرول و راک و مشتقات موسیقی جاز کالوپسو، فانک، موسیقی تلفیقی یا فیوژن، جاز بلوز، جاز لاتین، رگتایم، سول و سوینگ است.
بلوز از اوایل قرن بیستم همه‌گیر شد این در حالی است که جاز اوایل فقط در فاحشه‌خانه‌ها نواخته می‌شد.
از جمله هنرمندان معروف در موسیقی بلوز می‌توان به بی‌بی‌کینگ (B. B. King)، مادی واترز (Muddy Waters)، هَندی (W. C. Handy)، جان لی هوکر (John Lee Hooker)، بیگ بیل برنزی (Big Bill Broonzy) و تامی جانسون (Tommy Johnson) اشاره کرد. لویی آرمسترانگ (Louis Armstrong)، دوک الینگتون (Duke Ellington)، بیلی هالیدی (Billie Holiday)، الوین جونز (Elvin Jones)، چارلی پارکر (Charlie Parker) و چارلز مینگس (Charles Mingus) از جمله هنرمندان معروف در سبک جاز هستند.

جاز

جاز سبک وسیعی است و ارائه‌ی تعریفی دقیق برای آن راحت نیست اما می‌توان بداهه‌نوازی و بداهه‌خوانی را پایه‌ی آن دانست. غالبا در جاز ملودی از قبل مشخص است و هر نوازنده بخشی به ملودی اصلی اضافه می‌کند. بداهه چه در نوازندگی و چه در خوانندگی در جاز عنصر اصلی محسوب می‌شود و به حال و هوای نوازنده یا خواننده، تماشاگران و تعامل و ارتباط بین نوازندگان و خوانندگان گروه بستگی دارد. یعنی محرک اصلی برای ایجاد این نوع موسیقی احساسی است که در لحظه اجرا بروز می‌کند. بسیاری از آهنگ‌های جاز به این صورت نواخته می‌شوند؛ یعنی در همان زمانی که نوازنده مشغول اجرای آهنگ است، موسیقی ساخته می شود. در جاز نوازنده یا خواننده سعی می‌کند با کمک ساز یا صدایش، صدایی منحصر به فرد تولید کند. افراد ماهر در این سبک از سویینگ کمک می‌گیرند و از حرکات سر، گردن و پا استفاده می‌کنند. منشا این حرکات به موسیقی مرسوم آفریقایی برمی‌گردد.

بلوز

بلوز برخلاف جاز سبک گروهی نیست و اغلب تنها شامل یک خواننده یا یک نوازنده است. موضوع قطعات بلوز غم و غصه‌های زندگی، عشق از دست‌رفته، بدرفتاری و فقر است. موسیقی بلوز اکثرا بر پایه‌ی گیتار است. گام‌های بلوز شامل نت‌های بلوز هستند که در فرکانس پایین‌تری نواخته می‌شوند و این از جمله مشخصه‌های سبک بلوز است. تمرکز در بلوز همیشه بر روی یک نفر است یک خواننده یا یک نوازنده، حتی زمانی که اجرا در قالب یک گروه انجام می‌شود.

دلیل ارتباط این دو سبک در چیست؟

جاز و بلوز هر دو در اواخر قرن نوزدهم در جنوب آمریکا متولد شدند و پس از آن به مناطق شمالی آمریکا رفتند و سبک‌های مختلفی از آن‌ها مشتق شد. ارتباط جاز و بلوز از آنجایی شروع شد که نوازندگان و خوانندگان بلوز از بداهه‌نوازی و بداهه‌خوانی استفاده کردند.

تاریخچه

در نیواورلئان، رژه‌ی سازهای بادی برنجی در جریان مراسم عزاداری و مراسم عروسی بسیار رایج بود. پس از مدتی موسیقی‌دانان نسبت به موسیقی عصر حاضر نیاز به تنوع و تغییر را احساس کردند و کم‌کم از الگوهای موسیقی آفریقایی آمریکایی و ترکیب آن در موسیقی نظامی استفاده کردند. این تلفیق در ادامه با مهاجرت نوازندگان و خوانندگان به نقاط دیگر هم منتشر شد. موسیقی بلوز بخش مهمی از موسیقی جاز است چرا که در ابتدا جاز با استفاده از بداهه‌نوازی و بداهه‌خوانی روی قطعات و گام‌های بلوز در جنوب آمریکا متولد شد و با گذشت زمان به ایالت‌های شمالی نیویورک و شیکاگو رسید و تبدیل به یکی از پرطرف‌دارترین ژانرهای موسیقی آمریکا شد. در دهه‌ی ۱۹۲۰ میلادی جاز و در دهه‌ی ۱۹۳۰ میلادی سویینگ محبوب‌ترین سبک‌های موسیقی در آمریکا شناخته شدند. در طول سال‌ها موسیقی جاز دستخوش تغییراتی شده و پیشرفت‌هایی هم داشته، اما اساس آن تغییری نکرده است.

سبک بلوز به اواخر دهه‌ی ۱۸۰۰ میلادی برمی‌گردد (البته تاریخ دقیق تولد این سبک مشخص نیست). اولین بار بلوز در میسیسیپی و تگزاس در سال ۱۹۰۱ میلادی ضبط شد. قبل از سال ۱۹۲۰ میلادی بلوز از سبک‌های محبوب موسیقی در آمریکا محسوب می‌شد. اولین باری که از تکنیک اسلاید در گیتار در بلوز استفاده شد مربوط به سال ۱۹۲۳ میلادی بود و پس از آن، بعد از جنگ جهانی دوم گیتار الکتریک در بلوز به کار برده شد و تاثیر بسیاری بر موسیقی راک‌اندرول گذاشت.

منبع: Diffen

۰

علم و دانش

بهترین سن برای شروع یادگیری موسیقی

اگر قصد دارید فرزندانتان یادگیری موسیقی را شروع کنند پس لازم است بدانید مناسب‌ترین و بهترین سن برای شروع چه سنی است؛ به طوری که دانستن سن مناسب برای هر ساز یا حتی خوانندگی بخش مهمی از فرآیند یادگیری موسیقی برای کودک محسوب می‌شود. اکثر اوقات کودک از نظر ذهنی آمادگی شروع نوازندگی یا خوانندگی را دارد اما از نظر جسمی و فیزیکی توانایی کافی را ندارد. مثلا حجم ریوی کافی برای شروع یادگیری یک ساز بادی را ندارد و یا صدای نابالغ ویا حتی انگشتان ضعیف او را برای یادگیری ناتوان کرده‌اند. در ادامه، هر ساز به تفکیک بررسی شده و به علاوه سن مناسب برای شروع یادگیری آن نیز آورده شده است.

پیانو

بهترین سن برای شروع یادگیری پیانو، سن چهار یا پنج سالگی است.

گیتار بیس

بسیاری از نوازندگان گیتار بیس قبل از شروع یادگیری گیتار بیس، نوازنده‌ی گیتار بوده‌اند. اما خیلی از هنرجوها هم گیتار بیس را به عنوان اولین ساز انتخاب می‌کنند. مهم‌ترین مسئله‌ی تاثیرگذار بر سن شروع یادگیری نوازندگی در مورد گیتار بیس اندازه‌ی آن است. اندازه‌ی یک گیتار بیس استاندارد تقریبا ۹۰ سانتی‌متر است. البته برخی سازنده‌ها گیتار بیس کوچک‌تر برای هنرجویان کم‌سن با جثه‌ی کوچک تولید می‌کنند. اندازه‌ی این گیتارها تقریبا سه چهارم اندازه‌ی استاندارد آن است. بعد از سایز گیتار بیس، نکته مهم قدرت انگشتان هنرجو است. انگشتان نوازنده باید قدرت فیزیکی کافی برای نواختن گیتار بیس را داشته باشد. به همین دلیل روی هم رفته سن پیشنهادی برای شروع نوازندگی گیتار بیس سن ۸ یا ۹ سالگی است. این در حالی است که سن مناسب برای یادگیری گیتار ۶ یا ۷ سالگی است. دلیل این تفاوت در اندازه‌ی بزرگتر و سیم‌های سنگین‌تر گیتار بیس نسبت به گیتار است. البته این یک قانون کلی است و حتما استثنائاتی دارد؛ مثلا کودک ۹ ساله با جثه‌ی کوچک نمی‌تواند نوازندگی گیتار بیس را شروع کند. این در حالی است که کودک ۷ ساله که قد بلندی دارد می‌تواند.

 

گیتار

سن مناسب برای شروع یادگیری گیتار، سن ۶ سالگی است. مهمترین فاکتور در مورد گیتار توانایی دست هنرجو است. البته این یک قانون کلی است ممکن است کودک ۵ ساله از نظر فیزیکی توانایی نوازندگی گیتار را داشته باشد این در حالی است که کودک ۷ ساله با جثه‌ی کوچک ناتوان است. مهمترین نکته راجع به یادگیری گیتار توسط کودک، انتخاب گیتار با اندازه‌ی مناسب است. اندازه‌ی یک گیتار استاندارد، تقریبا ۶۰ سانتی‌متر است. البته سازنده‌هایی هستند که گیتار با اندازه‌ی ی۱/۲ و یا ۳/۴ اندازه‌ی اصلی برای هنرجویان کم سن و سال طراحی می‌کنند. پیشنهاد می‌شود برای سن ۵ تا ۸ سال، گیتار با اندازه‌ی ۱/۲ ، برای سن ۸ تا ۱۲ سال گیتار با اندازه‌ی ۳/۴ اندازه‌ی استاندارد و برای ۱۲ سال به بالا گیتار استاندارد تهیه شود. انتخاب سایز مناسب ساز باعث افزایش انگیزه‌ی کودک برای نوازندگی می‌شود. یادگیری نوازندگی با ساز بزرگ برای کودک لذت‌بخش نخواهد بود.

درامز

در مورد درامز نمی‌توان مشخصا عددی را به عنوان سن مناسب برای شروع تعیین کرد. در حالت کلی سن ۷ سالگی سن مناسبی برای شروع یادگیری درامز است. در واقع فارغ از سن کودک فاکتورهای دیگری هستند که تعیین می‌کنند آیا یک کودک شرایط شروع نوازندگی درامز را دارد یا خیر. اولین و مهم‌ترین فاکتور توانایی دست کودک است، آیا دستان کودک شما به اندازه‌ای قوی است که از چوب درامز استفاده کند. فاکتور مهم بعدی بلوغ هنرجو است. باید اشاره کرد که در مورد درامز هم استثنا وجود دارد به طوری که یک کودک ۶ ساله ممکن است شرایط لازم برای شروع نوازندگی درامز را کاملا داشته باشد. فاکتور سوم آمادگی ذهنی و علمی کودک است. یادگیری درامز علاوه بر توانایی فیزیکی توانایی علمی نسبتا بالایی لازم دارد چرا که موارد زیادی است که در حین آموزش باید پوشش داده شود. نوازنده‌ی درامز باید قادر به خواندن متون موسیقایی و یادگیری تکنیک‌های ضرب و ریتم باشد.

خوانندگی

گاهی والدین به دلیل علاقه‌ی فرزندشان به خواندن، به فکر شروع آموزش خوانندگی برای فرزندشان می‌افتند. گاهی پدر و مادرها قصد ثبت‌نام فرزند ۳یا ۴ ساله‌شان در دوره‌های آموزش خوانندگی دارند. اما باید بدانید در چنین سنی آموزش خوانندگی به فرزند، موفق نخواهد بود. شروع یادگیری خوانندگی باید بعد از سن بلوغ فرزند باشد. کیفیت صدای انسان به مرور زمان و با گذر عمر بهتر می‌شود به همین دلیل است که خوانندگی در سنین پایین توصیه نمی‌شود. سن بلوغ در افراد متفاوت است اما به طور میانگین در سنین ۱۱ یا ۱۲ سالگی اتفاق می‌افتد؛ در این سن است که صدای فرد دچار تغییر می‌شود. به طور مثال زمانی که صدای یک پسر نوجوان کلفت و بم می‌شود می‌تواند یادگیری خوانندگی را شروع کند. در صورتی که کودکتان واقعا به خوانندگی علاقه دارد اما از نظر سنی برای شروع مناسب نیست، می‌تواند تا محیا شدن شرایط سنی مناسب به نوازندگی پیانو بپردازد؛ به این ترتیب تا سن مناسب برای خوانندگی از نظر ریتم، ملودی و سایر تکنیک‌ها قوی می‌شود.

ساکسیفون

سن مناسب برای شروع نوازندگی ساکسیفون بسته به جثه‌ی هنرجو و اندازه‌ی این ساز متفاوت است. سن ۷ یا ۸ سالگی به صورت میانگین حداقل سن مناسب برای ساکسیفون است. ساکسیفون آلتو با توجه به اینکه تقریبا ۶۰ سانتی‌متر است برای هنرجویان کم سن و سال مناسب‌تر است. از طرفی ساکسیفون آلتو برای کسانی که تازه نواختن ساکسیفون را شروع کرده‌اند، به دلیل اندازه و وزنش، مناسب‌تر است. یک مزیت راجع به ساکسیفون این است که حرکت انگشتان و نت‌خوانی برای تمام مدل‌های ساکسیفون یکسان است. به همین دلیل است که بسیاری از نوازندگان با ساکسیفون آلتو شروع می‌کنند و سپس در ادامه ساکسیفون باریتون و تنور را انتخاب می‌کنند. تنور در ژانرهای جاز، بلوز و گاهی راک بسیار رایج است. در مدارس موسیقی آموزش ساکسیفون تنور از سن ۸ سالگی شروع می‌شود. ساکسیفون باریتون تقریبا ۱۲۰ سانتی‌متر است. به همین دلیل است که سن مناسب برای شروع نوازندگی ساکسیفون باریتون ۹ یا ۱۰ سالگی است. همچنین ساکسیفون باریتون نسبت به تنور و آلتو گران‌تر است.

فلوت

بسیاری از والدین تمایل به ثبت نام فرزند سه یا چهار ساله‌شان در دوره‌های آموزشی نوازندگی فلوت دارند. شروع یادگیری موسیقی در سنین پایین خیلی خوب است اما باید از نظر فیزیکی و ذهنی، فرزند آمادگی لازم را داشته باشد. اولین فاکتور در نوازندگی فلوت این است که آیا دستان کودک به اندازه‌ی کافی بزرگ است که قادر به نوازندگی چندین کلید روی فلوت باشد. همچنین به عنوان یک ساز بادی، حجم ریه‌ی کودک هم فاکتور تعیین‌کننده‌ای است. از این رو سن مناسب برای شروع نوازندگی سن ۷ یا ۸ سال است. البته برای هنرجویان کم سن و سال با جسه‌ی کوچک می‌توان از فلوت خمیده استفاده کرد که نسبت به فلوت معمولی سایز کوچک‌تری دارد. در مدارس موسیقی هنرجویان اکثرا از سن ۱۱ یا ۱۲ سالگی شروع به نواختن فلوت می‌کنند.

کلارینت

به دلیل تعدد کلیدهای ساز کلارینت حداقل سن مناسب برای نوازندگی آن، سن ۷ سالگی است. مهمترین فاکتور در مورد کلارینت اندازه‌ی دست کودک است که آیا به اندازه کافی بزرگ است تا تمام کلیدها را پوشش دهد. همچنین چون یک ساز بادی است حجم ریه‌ی نوازنده هم مهم است. بسیاری از مدارس آموزش کلارینت را از کلاس سوم یا چهارم شروع می‌کنند.

ویولن

برای اینکه کودک آمادگی شروع یادگیری ویولن را داشته باشد باید از نظر فیزیکی، روحی و ذهنی آماده باشد. سن مناسب برای شروع نوازندگی ویولن چهار سالگی است. سازندگان ویولن مدل‌هایی در اندازه‌ی کوچک، مناسب برای کودکان طراحی و تولید کرده‌اند. فاکتور مهم در مورد نوازندگی ویولن، قدرت دست کودک به دلیل نوازندگی با سیم‌ها و آرشه است. همچنین آرشه و سیم‌های ویولن نیاز به نگه‌داری دارند که گاهی برای کودکان کم سن و سال انجام آن مشکل است.

ویولا

ویولا نسبت به ویولن بزرگتر است و صدای بمتر و عمیق‌تری دارد. سن پیشنهادی برای شروع یادگیری ویولا سن ۵ یا ۶ سالگی است البته کودک باید از نظر قدرت دست در وضعیت قابل قبولی باشد تا آمادگی لازم برای شروع آموزش را داشته باشد. اغلب دانش‌آموزان با ورود به مدرسه یا ارکستر یادگیری ویولا را آغاز می‌کنند. البته ویولا در اندازه‌ی کوچک مناسب برای کودکان هم طراحی و تولید می‌شود اما نسبت به ویولن کمتر رایج است.

ویولن‌سل

اکثر معلمان سن ۶ یا ۷ سالگی را سن مناسب برای شروع نوازندگی ویولن‌سل می‌دانند.

ترومپت

سن مناسب برای شروع یادگیری ترومپت سن ۸ سالگی است. در بسیاری از مدارس شروع آموزش از کلاس سوم یا چهارم می‌باشد. برای نوازندگی ترومپت حجم بالای ریه و ماهیچه‌های قوی دهان لازم است. به علاوه ترومپت قبل از هر بار نوازندگی نیاز به تمیزکردن و مونتاژ دارد که ممکن است کودک با سن کم از پس آن برنیاید.

ترومبون

سن مناسب برای شروع یادگیری ترومبون سن ۸ تا ۱۰ سالگی است. البته بیشتر دانش‌آموزان در سال اول یا سوم دوره‌ی متوسطه نوازندگی ترومبون را شروع می‌کنند. برای نوازندگی ترومبون، مثل شیپور حجم بالای ریه و ماهیچه‌های قوی دهان لازم است. همچنین قبل از هر بار نوازندگی نیاز به تمیزکردن و مونتاژ دارد که ممکن است کودک با سن کم از پس آن برنیاید.

منبع: Musika

۰

علم و دانش

به عنوان یک نوازنده گیتار خیلی برایتان پیش آمده که حس و حال تمرین نوازندگی ندارید اما باید تمرین کنید. در ادامه به ۱۰ مورد اشاره می‌کنیم که برای شروع تمرین نوازندگی گیتار می‌تواند کارساز باشد.

۱. به یاد داشته باشید که شروع نوازندگی گیتار مثل روشن‌کردن اتومبیل است. استارت اتومبیل بیشترین انرژی و توان باتری را صرف می‌کند. در واقع شروع نوازندگی سخت است اما لذت پس از شروع نوازندگی به اندازه‌ای است که نوازنده گذر زمان را متوجه نمی‌شود.

۲. سعی کنید به محض اینکه حس و حال نوازندگی را داشتید، آن را به تعویق نیاندازید. مسلما اگر با انگیزه به تمرین بپردازید نتیجه‌ی مطلوب خواهید گرفت. به خاطر داشته باشید حس و حال شما نتیجه‌ی انرژی اطراف شماست، انرژی که آن را بی‌دلیل دریافت نکرده‌اید؛ پس به آن پاسخ دهید.

۳. سعی کنید در محلی منظم، مرتب و سازماندهی‌شده تمرین کنید. محلی که در آن تمرین نوازندگی می‌کنید، بر انگیزه‌ی شروع و ادامه‌ی تمرین و یادگیری تاثیرگذار است. محیط مناسب می‌تواند از استرس نوازنده بکاهد و حتی حس و حال بهتری به او بدهد. مهم است هر آنچه که ممکن است در حین تمرین به آن نیاز داشته باشید، به راحتی در دسترس باشد.
ذهن انسان مثل یک پردازنده است که در هر لحظه در حال انجام میلیون‌ها پردازش است؛ پردازش‌هایی که از آن‌ها بی‌خبر هستیم. شاید فکر کنید که محل تمرین نمی‌تواند تاثیر چندانی روی تمرین نوازندگی داشته باشد اما کافی است در محل درست تمرین کنید تا با نتیجه و تاثیر آن شگفت‌زده شوید.

۴. محل تمرین نوازندگی را جذاب و زیبا کنید؛ دکوراسیون، مبلمان، قاب عکس‌ها، دیوارها، کاغذ دیواری و هر آنچه را که فکر می‌کنید حس و حال خوبی به شما نمی‌دهد و نیاز به تغییر دارد، عوض کنید. حتی تغییرات کوچک می‌تواند ذهن شما را تازه کند. فراموش نکنید محیطی که در آن تمرین می‌کنید باید به گونه‌ای ترغیب‌کننده باشد؛ پس آن را آن طور که به شما حس خوبی بدهد تغییر دهید.

۵. قبل از شروع تمرین آنچه را که بابتش می‌خواهید تمرین کنید، به خاطر بیاورید. مسلما تمرین نوازندگی راحت‌تر خواهد بود در صورتی که بدانید برای چه تمرین می‌کنید. مثلا هدف تمرین می‌تواند صرفا برای حفظ تکنیک نوازندگی‌تان و یا نوشتن یک آهنگ جدید و یا یادگیری نوازندگی یک قطعه باشد.

۶. شروع کن! «باید تمرین کنم» می‌تواند به راحتی با جمله‌ی «شروع کن» به تمرین نوازندگی تبدیل شود. کافی است خود را عادت دهید که به محض اینکه «شروع کن» را گفتید، واقعا تمرین را شروع کنید. گاهی گفتن بلند این جمله می‌تواند کمک‌کننده باشد. به طور مثال اگر می‌خواهید امروز یک ساعت تمرین کنید، می‌دانید که تمرین کی شروع می‌شود؛ درست به محض اینکه به خود بگویید «شروع کن».

۷. لازم نیست برای اینکه در نوازندگی گیتار پیشرفت کنید و نوازنده‌ی بهتری شوید روزانه مثلا هشت ساعت تمرین کنید. اگر می‌خواهید سریع‌ترین باشید، بله این تئوری درست است اما برای بهتر نواختن نیاز به تمرین به مدت ساعات طولانی در روز نیست. می‌توانید ضمن حفظ کارایی و مهارت سریع‌تر تمرین کنید. به طوری که تمرین به مدت یک ساعت در روز کافی است.
وقتی سعی کنید روزانه و مرتب تمرین کنید، هرچند که در شروع برایتان کار راحتی نیست، آنگاه پس از مدتی متوجه می‌شوید که شروع تمرین و ادامه‌ی آن مثل قبل نیست و چقدر راحت شده است. درست شبیه به این است که یک سری موانع که شما را از تمرین باز می‌داشته است رها شده‌اید. آنجاست که دیگر تمرین نه تنها راحت شده بلکه لذت‌بخش هم هست.

۸. برخی از نوازندگان گیتار ادعا می‌کنند که به وضعیت ثابتی در تمرین‌ها رسیده‌اند؛ به این معنی که وضعیت نوازندگی‌شان از نظر تکنیک، سرعت و روان نواختن به آخرین حد رسیده و بهبودی وجود ندارد. باید اشاره کرد که در مورد نوازندگی گیتار چنین وضعیتی غیر ممکن است و همیشه و در هر سطحی امکان بهبود وجود دارد. اگر وضعیت نوازندگی شما بدون تغییر باشد بدانید که پس‌رفت خواهید کرد. در چنین وضعیتی نوشتن آهنگ را امتحان کنید. نوشتن آهنگ تمرین بسیار خوبی برای بهبود وضعیت نوازندگی است.

۹. گاهی برای شروع تمرین نیاز به ابزار کمکی است. گوش‌دادن به سی‌دی‌های مورد علاقه یا تماشای ویدیوهای نوازندگی از یوتیوب که برایتان جذاب است می‌تواند موثر واقع شود. به خاطر داشته باشید آنچه که اولین بار باعث شد به گیتار و نوازندگی آن مشتاق شوید همیشه می‌تواند به شما انگیزه شروع بدهد.

۱۰. سعی کنید با یک دوست تمرین کنید. برنامه‌ی تمرینتان را با یک از دوستانتان هماهنگ کنید به طوری که با هم تمرین کنید. به این ترتیب به تمرین منظم و مستمر تمایل بیشتری خواهید داشت.

محمد علی کلی می‌گوید: از هر لحظه‌ی تمرین متنفر بودم اما همیشه با خودم می‌گفتم امروز سختی بکش اما بقیه عمرت را مثل یک قهرمان زندگی کن.

منبع: Guitar World

۰

علم و دانش

آیا می‌دانید موسیقی جاز در ایالات متحده‌ی آمریکا متولد شد؟ آیا می‌دانید ساز درامز اولین بار توسط نوازندگان جاز ساخته شد؟ آیا می‌دانید ریشه‌ی واژه‌های «hip» و «cool» به موسیقی جاز برمی‌گردد؟

اواخر دهه‌ی ۱۸۰۰ میلادی
بلوز

موسیقی بلوز یک موسیقی آفریقایی آمریکایی است که از جنوب، از دل بردگان سیاه‌ پوست می‌آید. این موسیقی اغلب از مشکلاتی چون درد از دست دادن عشق، بی‌عدالتی، پیروزی در تحمل درد قلب شکسته و سختی‌ها الهام می‌گیرد. علت اینکه این موسیقی به بلوز معروف شده است این است که پیشگامان این سبک، آن را با غم اجرا می‌کردند؛ بلو (Blue) در زبان انگلیسی به معنی غم است. بلوز به معنویات، کار، تلاش و عملکرد اجتماعی ترغیب می‌کند. پایه و اساس موسیقی جاز موسیقی بلوز است. به علاوه بلوز پایه‌ی سبک‌های دیگری مثل راک‌اندرول و کانتری است. موسیقی بلوز از گذشته تا به امروز بسیار پرطرفدار بوده و هست؛ و مثل یک دارو در زمان غم و غصه، ناراحتی را تسکین می‌دهد.

 

دهه‌ی ۱۹۰۰ میلادی
نیواورلئان

رسوم نیواورلئان در جشن گرفتن بسیار غنی است. موسیقی نظامی، بومی، بلوز، رگتایم، اوپرا، موسیقی کلیسا، نوازندگی درامز آفریقایی و رقص‌های مختلف همگی در نیواورلئان بسیار رایج است. با تلفیق تمامی این سبک‌ها در یک سبک، موسیقی جاز متولد شد.

سال 1901 میلادی
لوییس آرمسترانگ متولد شد؛ مبدا موسیقی جاز

از لوییس آرمسترانگ با صدای گرم و شفاف خود و با توانایی فوق‌العاده‌اش در خوانندگی می‌توان بدون شک به عنوان کسی که موسیقی جاز را به دیگران آموخت، یاد کرد.
او یکی از تاثیرگذارترین افراد روی موسیقی در تاریخ است. در ماه آگوست در سال 1901 میلادی در نیواورلئان متولد شد. آرمسترانگ نوازندگی شیپور را در سن سیزده سالگی شروع کرد. پیش از آرمسترانگ، دیکسی‌لند پیشرو در ژانر جاز بود. اما این آرمسترانگ بود که بداهه‌نوازی در جاز را پایه‌گذاری کرد. لوییس آرمسترانگ در سراسر جهان، همیشه محبوب دل‌ها بود. او در سال ۱۹۷۱ میلادی در نیویورک درگذشت.

بداهه‌نوازی

بداهه‌نوازی عمل نواختن درجا، اتفاقی و ناگهانی یک قطعه موسیقی بدون نظم است. بارزترین ویژگی موسیقی جاز بداهه‌نوازی است. در واقع بداهه‌نوازی از ملزومات سبک جاز و بلوز است. قطعه جاز بدون بداهه‌نوازی جاز نیست. در نغمه اصلی معمولا یک آهنگ معروف و دلنشین، غالبا از نغمه‌های استاندارد جاز، اجرا می‌شود. سپس نوبت به بداهه‌نوازی می‌رسد. در این بخش چند تن از تکنوازان به نوبت قطعه اصلی را متحول می‌کنند و بسته به ذوق و حال و توانائی خود چیزی می‌نوازند. هنر اصلی نوازندگان جاز در بخش بداهه‌نوازی تجلی می‌کند. خوانندگان جاز برای بداهه‌خوانی از کاری به نام صداخوانی استفاده می‌کنند. در این تکنیک خواننده به‌جای خواندن متن ترانه صداهایی (بی‌معنی) را که گاه شبیه به کلمات هستند اجرا می‌کند.

اواسط دهه‌ی ۱۹۳۰ میلادی
سوینگ

ریتم پایه در موسیقی جاز سوینگ است. سوینگ یکی از سبک‌های فرعی موسیقی جاز است. این سبک از اواسط دهه‌ی ۱۹۳۰ در آمریکا رایج شد. پس از آن رقص سوینگ هم به میدان آمد. خوانندگانی مانند بنی گودمن (Benny Goodman) در این سبک کار کرده‌اند. کاونت بیسی (Count Basie) و دوک الینگتون (Duke Ellington) هم از جمله آهنگ‌سازان سوینگ هستند.

دوک الینگتون (Duke Ellington)

آهنگساز چیره‌دست، دوک الینگتون (Duke Ellington) یکی از چهره‌های برجسته تاریخ موسیقی در سال ۱۸۹۹ میلادی در ماه آوریل در واشینگتن متولد شد. او نوازندگی پیانو را در سن هفت سالگی شروع کرد. وی تنها یک نوجوان بود که شروع به نوازندگی جاز کرد و به نیویورک رفت تا بتواند رهبر یک گروه موسیقی شود. او در سبک سوینگ نوازنده، پیانیست و رهبر بی‌نظیری شد. وی در سال ۱۹۷۴ میلادی درگذشت.

سال ۱۹۴۰ میلادی
بیباپ (Bebop)

یکی از سبک‌های مهم جاز است که در دهه ۱۹۴۰ میلادی در محله هارلم نیویورک شکل گرفت. معنی و مفهوم این سبک از موسیقی در یک کلمه آزادی است.
مشخصه اصلی این سبک اجرای سریع نت‌ها و تاکید زیاد بر بداهه‌نوازی، آن‌هم بداهه‌نوازی در عرصه هم‌نوائی و ریتم (به‌جای بداهه‌نوازی در نغمه) است.

اگر شما واقعا معنای بیباپ را درک می‌کنید، معنای آزادی را همه می‌فهمید.
Thelonious Monk، پیانیست و تنظیم‌کننده

دیزی گیلیسپی (Dizzy Gillespie)

دیزی گیلیسپی نوازنده ترومپت و از پایه‌گذاران سبک پرشتابی از موسیقی جاز به نام سبک بی‌باپ بود. وی نوازنده‌ای چیره‌دست و در بداهه‌نوازی ممتاز بود. گیلیسپی در سال ۱۹۱۷ میلادی در کارولینا متولد شد و در سال ۱۹۹۳ درگذشت.

دهه‌ی ۱۹۵۰ میلادی
جاز لاتین – آفروکوبایی

جاز لاتین در واقع سبک جاز توام با ریتم آمریکای لاتین است. برخی از جازهای لاتین به طور معمول از ریتم‌هایی استفاده می‌کنند که این ریتم‌ها یا ریشه‌هایی در ریتم‌های آفریقایی دارند یا تاثیری آفریقایی را نشان می‌دهد؛ این موسیقی در رده جاز آفروکوبایی قرار می‌گیرد. جاز آفروکوبایی جازی است که ریتم‌های کلاوی (کلاو شهری در کشور آلمان) دارد و اغلب از بخش‌های ریتمیکی که الگوهای موسیقی مشهور رقص‌های کوبایی دارند، بهره می‌گیرد. در واقع ترکیب فرهنگ اسپانیایی، آفریقایی و آمریکای لاتین در این سبک دیده می‌شود.

منبع: scholastic

۰

خبر

دینای غرب (Westworld)

دنیای غرب یا Westworld مجموعه‌ی تلویزیونی مهیج در سبک علمی تخیلی است که توسط جاناتان نولان و لیزا جوی برای شبکه‌ی اچ‌بی‌او (HBO) ساخته شده ‌است. این مجموعه براساس فیلمی با همین نام است که محصول سال ۱۹۷۳ میلادی است که نوشته و ساخته‌ی مایکل کرایتون، رمان‌نویس آمریکایی است. تا به حال ۱۰ قسمت از فصل اول و ۹ قسمت از فصل دوم این سریال منتشر شده است.

وست ورلد داستان همیشه جذاب تقابل هوش مصنوعی با خالق خود را به تصویر می‌کشد. اما برخلاف فیلم‌هایی نظیر فراماشین که به این مقوله با احتیاط نگاه می‌کرد، در وست ورلد جهان به دو جبهه‌ی متفاوت میزبانان و مهمانان تقسیم شده که طی آن، انسانها بصورت فیزیکی وارد دنیای شبیه‌سازی شده می‌شوند و قادر خواهند بود تا با میزبانان هرطور که می‌خواهند رفتار کنند.
وست ورلد یک پارک تفریحی معمولی نیست، بلکه پارکی تنها برای افراد خاص و ثروتمند است که درون آن مجموعه‌ای از روبات‌ها که با نام میزبان شناخته می‌شوند، به بازدیدکننده‌ها این امکان را می‌دهند که به صورت مجازی در دنیای فانتزی خود زندگی کنند. رویا و فانتزی آنها مهم نیست که قانونی باشد یا نه، به عبارتی هیچ رویایی در این پارک غیرممکن نیست. این پارک به صورت وسترن و با آدم‌های غرب وحشی طراحی شده است. همه چیز خیلی خوب پیش می‌رود تا اینکه که طی اتفاقاتی این روبات‌های میزبان، دچار مشکلی نرم‌افزاری می‌شوند که باعث خودآگاه شدن آن‌ها می‌شود. اولین سوالی که به ذهن آنها می‌رسد این است که خالق آن‌ها کیست. داستان خودآگاه شدن ربات‌ها شاید بسیار کلیشه‌ای به نظر برسد، اما این سریال با دیدی کاملا متفاوت به این قضیه نگاه کرده است و هیچ عجله‌ای برای توضیح این موضوع ندارد. این سریال یکی از پرطرفدارترین مجموعه‌های شبکه‌ی HBO است به طوری که همه آوازه‌اش را شنیده‌اند و برخی هم آن را جایگزین سریال محبوب بازی تاج و تخت می‌دانند.

به گفته‌ی رامین جوادی تنظیم‌های وی از آهنگ‌های راک گروه‌های معروف رولینگ استونز (Rolling Stones) و ریدیوهد (Radiohead) که برای سریال دنیای غرب انجام داده است به تماشاگران یادآوری می‌کند که آنچه در سریال می‌بینند غیرواقعی است.

رامین جوادی آهنگساز دنیای غرب

یکی از مواردی که بحث بسیاری به دنبال داشت، موسیقی متن این سریال بود. موسیقی متن این سریال حال و هوای قدیمی دنیای غرب را با موسیقی راک درهم آمیخته است.
پشت این آهنگسازی جالب، آهنگساز موفق ایرانی آلمانی، رامین جوادی است. از کارهای موفق او می‌توان به آهنگسازی فیلم مرد آهنین (Iron Man) و سریال پر طرفدار بازی تاج و تخت (Game of Thrones) اشاره کرد. وقتی از وی راجع به این که ایده‌ی تلفیق موسیقی راک و دنیای قدیم غرب پرسیده شد، او در جواب گفت: ایده‌ی این ترکیب از تهیه‌کننده‌ی سریال، نولان داده شد. این پیشنهاد نولان بود که موسیقی راک امروزی را در داستانی با حال و هوای قدیمی دنیای غرب به کار ببریم. ایده‌ی موفقی هم بود و نظر تماشگران را به خود جلب کرد به طوری که همه راجع به آن حرف می‌زنند.
هدف از این آهنگسازی تنها جلب نظر تماشاگران سریال به عنوان آهنگ متنی زیبا و جالب نبوده است. با توجه به داستان علمی تخیلی و دور از واقعیت سریال لازم بود در جریان داستان به نحوی به تماشاچی یادآوری شود که این داستان و آنچه می‌بینید در آن زمان واقعیت نداشته است و در واقع به تماشاچی یادآوری کند که این صرفا داستان است و شما به عنوان تماشاگر به زمان گذشته بازنگشته‌اید. به عبارتی هدف از تنظیم چنین آهنگ متنی برای سریال دنیای غرب هم همین بوده است. می‌توان چنین گفت که این آهنگ یادآور می‌شود که هر آنچه می‌بینید تخیلی است. برای همین است که آهنگ این سریال توسط پیانولا (پیانوهایی که توسط یک سیستم مکانیکی داخلی و بدون نوازنده، قطعات از پیش مشخص را اجرا می‌کنند.) نواخته می‌شود که همین موضوع، اشاره به غیرواقعی بودن داستان دارد.
نکته‌ی جالب دیگر راجع به آهنگسازی سریال دنیای غرب این است که به گونه‌ای تنظیم شده‌اند که با گذشت زمان، در فصل‌های بعدی سریال، هنوز هم مناسب آن زمان خواهند بود و قدیمی نخواهند شد؛ به طوری که گویی برای آینده تنظیم شده باشند.

۰

علم و دانش

صدای بی‌نظیر و پرطرفدار گیتارهای کوردوبا را می‌توان نتیجه‌ی ساختار سبک وزن و چوب سبک آن‌ها دانست. چوب استفاده شده در ساخت این گیتارها آسیب‌پذیر است اما با این حال قادر هستند صداهایی تولید کنند که گیتارهای ساخته‌ شده از چوب‌های ضخیم‌تر قادر به تولید آن‌ها نیستند. سوال رایجی که در این میان مطرح می‌شود این است که زیر خرک گیتار موج‌هایی دیده می‌شود، آیا این موضوع طبیعی است ویا اینکه یک نقص فنی محسوب می‌شود؟

 

این امواج طبیعی هستند و به این وضعیت تلگرافینگ گفته می‌شود.

چندین فاکتور می‌تواند دلیل تلگرافینگ باشد. یکی از دلایل اصلی آن می‌تواند چوب نازکی باشد که برای صفحه صدای گیتار استفاده شده است. دلیل استفاده از چوب نازک برای صفحه صدای گیتار، بیشترین رزونانس، کارایی و انرژی منتقل‌شده از سیم‌هاست. بخشی از حرکات صفحه‌ی صدا زمانی رخ می‌دهد که سیم‌ها تحت فشار هستند. نتیجه‌ی آن امواج کوچکی خواهد بود که روی گیتار ظاهر می‌شوند.
دلیل دیگر تلگرافینگ، شیوه‌ی به کار رفته در ساختار خود صفحه‌ی صداست. صحفه‌ی صدا به کمک فریم‌هایی به سمت پایین محکم کشیده شده‌اند. ممکن است در اثر فشار به فریم‌ها از بیرون، محل آن‌ها مشخص شود. همین موضوع باعث می‌شود زیر خرک امواجی دیده شود.
تلگرافینگ در بین گیتارهای سبک وزن با سیم‌ها‌ی نایلونی کاملا طبیعی است. به ویژه زمانی که با گیتارهای با سیم‌های استیل و سنگین وزن و ساخته‌شده از چوب‌های ضخیم مقایسه می‌شوند. تلگرافینگ حتی در مورد خیلی از گیتارهای با کیفیت و گران‌قیمت که سیم‌های از جنس نایلون دارند هم رخ می‌دهد. قیمت این گیتارها ده‌ها، صدها یا هزاران دلار است. در واقع به طور کلی باید گفت جای هیچ نگرانی نیست.

منبع: کردوبا

۰

علم و دانش

آیا یادگیری نوازندگی ساز چنگ سخت است؟

نوازندگی چنگ خیلی شبیه به نوازندگی پیانو است. می‌توان گفت از جنبه‌هایی ساده‌تر و از جهاتی سخت‌تر از یادگیری پیانو است. اما اکثر افراد نوازندگی ساز چنگ را نسبت به سازهایی همچون گیتار و ویولن ساده‌تر می‌دانند.

نکته‌ی جالب راجع به ساز چنگ این است که نوازندگی هر قطعه‌ای روی آن صدای بسیار زیبایی خواهد داشت. تنها در عرض پنج دقیقه نوازندگی، می‌توانید صدایی دلنشین تولید کنید. همین موضوع باعث شده تا تمرین و یادگیری آن بسیار دلچسب و کسب مهارت در نوازندگی آن سرگرم‌کننده باشد.

چه تفاوتی بین چنگ‌های سلتیک و چنگ‌های بزرگی وجود دارد که در ارکستر دیده می‌شوند؟

چنگ‌های بزرگی که در ارکستر نواخته می‌شوند چنگ پدالی نام دارند؛ علت این نام‌گذاری به پدال‌هایی برمی‌گردد که برای این ساز در نظر گرفته شده است و با پا نواخته می‌شوند. این پدال‌ها امکان تغییر کلید را برای نوازنده فراهم کرده‌اند. در چنگ پدالی هفت پدال تعبیه شده است که هر پدال به یک نت متفاوت اختصاص دارد. به طور مثال پدال نت دو (C)، یا پدال نت رِ (D). زمانی که پدال نت دو جابه‌جا می‌شود تمام سیم‌های نت دو روی چنگ به حالت‌های بکار، دیز و بمل تغییر می‌کنند.

چنگ پدالی

چنگ سلتیک برخلاف چنگ پدالی، پدال ندارد. اما برای تغییر کلیدها بازوهایی دارد. این بازوها در آن واحد قادر به کنترل یک سیم از چنگ هستند. یعنی به طور مثال یک سیم می‌تواند بکار، دیز یا بمل باشد و نه هر سه‌ی آن‌ها.
فایده‌ی پدال‌های چنگ پدالی این است که نوازنده می‌تواند سریع‌تر کلیدها را تغییر دهد؛ به علاوه برای نوازندگی قطعات کروماتیک مناسب است. موسیقی جاز روی چنگ پدالی قابل نواختن است اما نواختن جاز با چنگ سلتیک حس و حال واقعی‌تری ایجاد می‌کند. همچنین باید اشاره کرد که چنگ پدالی قادر به تولید صداهای پر قدرت‌تری است و اصولا برای نوازندگی در ارکستر مناسب است. و اما از معایب چنگ پدالی می‌توان به وزن زیاد آن (معمولا بیش از ۳۵ کیلوگرم) و قیمت بالای آن اشاره کرد.

چنگ سلتیک

چنگ سلتیک برای ایجاد صداهای زیبا و نوازندگی موسیقی زیبا و دلنشین مناسب است. از نکات مثبت چنگ سلتیک می‌توان به وزن کم آن اشاره کرد که در سایز بزرگ وزن آن تقریبا ۹ تا ۱۱ کیلوگرم است و در سایز کوچک وزنش به ۳٫۵ تا ۴٫۵ کیلوگرم کاهش می‌یابد. البته وزنش بسته به جنس آن که از چوب باشد یا فیبر کربن تغییر می‌کند اما در کل ساز سبکی است. همچنین در مقایسه با چنگ پدالی قیمت بسیار پایین‌تری دارد.

طیف گسترده‌ای از ژانرهای موسیقی با چنگ سلتیک قابل نواختن است از جمله: پاپ، فولک، جاز، موسیقی بومی و سنتی. قطعات بیشماری تاکنون با این ساز نواخته و منتشر شده‌اند و همچنان ساز محبوبی است.

برای یک مبتدی چه مدل چنگی مناسب است؟

برای افراد مبتدی چنگ خاصی وجود ندارد. اما به طور مثال توصیه نمی‌شود نوازنده‌ی مبتدی از چنگی که روی پا قرار می‌گیرد برای شروع استفاده کند چرا که حفظ تعادل در نگه‌داری چنگ می‌تواند باعث ایجاد تداخل در یادگیری تکنیک‌های نوازندگی شود. به همین دلیل چنگی که روی زمین قرار می‌گیرد برای افراد مبتدی مناسب‌تر است. همچنین فاکتور قیمت هم مهم است. به طور مثال یک چنگ سلتیک با پنج اکتاو یا سی و شش سیم هم از نظر قیمت مناسب است و هم تمام نت‌های لازم برای یادگیری را پوشش می‌دهد.

چه مدت یک بار لازم است چنگ را کوک کنید؟

در مورد جواب این سوال یک لطیفه وجود دارد که می‌گوید: هر بیست دقیقه یک بار یا هر بار که یک نفر در را باز کند. البته که این لطیفه مبالغه دارد اما لازم است هر چند روز یک بار چنگ را کوک کنید. همچنین در اثر تغییرات دما و رطوبت هوا هم (که مثلا می‌تواند در اثر تغییر مکان چنگ ایجاد شود) لازم است که چنگ کوک شود. هر چه فاصله‌ی زمانی بین دفعات کوک‌کردن کمتر باشد، ساز کمتر نیاز به کوک‌شدن دارد و به علاوه کوک‌کردن آن زمان کمتری صرف می‌کند. در حالت کلی می‌توان گفت چنگ از جنس الیاف کربن نسبت به چوب کمتر نیاز به کوک‌شدن دارد. دلیلش این است که چوب در برابر تغییرات دما و رطوبت محیطی نسبت به الیاف کربن حساس‌تر است.

چه مدت یک بار لازم است سیم‌های چنگ تعویض شوند و یا اینکه آسیب می‌بینند؟

لازم است که سیم‌های چنگ هر یکی دو سال یک بار عوض شوند. تقریبا بعد از یک بازه یک تا دو سال صدای تولیدشده توسط سیم‌های چنگ شفافیت خود را از دست می‌دهند و حالت گرفتگی پیدا می‌کنند. آسیب‌دیدن آن‌ها تقریبا نادر است. ممکن است تنها چند سیم در سال پاره شوند که البته در مورد چنگ‌های ارزان و با کیفیت پایین رخ می‌دهد.

منبع: Heartland Harps & Music

۰

خبر

رامین جوادی متولد سال ۱۹۷۴ میلادی است. مادر او آلمانی و پدرش ایرانی است. پس از پایان تحصیلات دانشگاهی‌اش در رشته‌ی موسیقی در آمریکا، برای آهنگساز معروف موسیقی فیلم هانس زیمر کار کرد. یک سال بعد برای چندین فیلم تنظیمات موفقی انجام داد و در سال ۲۰۱۱ مشغول آهنگسازی موسیقی پروژه‌ی موفق سریال بازی تاج و تخت شد.

نباید در تنظیم موسیقی سریال Game of Thrones از فلوت استفاده می‌کردم.

رامین جوادی (Ramin Djawadi)

آهنگساز آلمانی-ایرانی‌تبار موسیقی‌های سینما و تلویزیون است که در حال حاضر درگیر تور کنسرت‌های پرطرفدار مجموعه‌ی موسیقی این سریال است. در ادامه مصاحبه‌ای با رامین جوادی خواهیم داشت.

کنسرت تور اروپای موسیقی سریال بازی تاج و تخت تا چهاردهم ژوئن امسال ادامه دارد. این مصاحبه مربوط به دو سال پیش، سال 2016 است.

کی بود که مطمئن شدی فعالیت در حوزه‌ی آهنگسازی موسیقی فیلم و تلویزیون حوزه‌ی مورد علاقه‌ی تو است؟

رامین جوادی: خیلی کم سن بودم. چهار سالم بود که آهنگسازی را شروع کردم. در آن سن کم صداهایی را که می‌شنیدم با پیانو تقلید می‌کردم. آن زمان بود که پدر و مادرم به این نتیجه رسیدند که شاید بد نباشد در کلاس‌های موسیقی شرکت کنم و آموزش ببینم.
اول با نواختن ارگ شروع کردم. تا سن یازده سالگی ارگ می‌نواختم. از سن یازده سالگی تا سیزده سالگی موقتا کلا موسیقی را کنار گذاشتم. سن سیزده سالگی دوباره شروع کردم و این بار به دنبال نوازندگی گیتار رفتم. بعد از یک سال و نیم نوازندگی گیتار، اشتیاق و انگیزه‌ام نسبت به نوازندگی بیشتر از قبل شده بود. آن زمان بود که در یک گروه موسیقی راک به عنوان نوازنده فعالیت کردم و آن زمان بود که متوجه شدم که علاقه‌ی اصلی من نوشتن موسیقی بی‌کلام است.
بیشترین تاثیر در این زمینه را از فیلم هفت دلاور (The Magnificent Seven)، فیلم آمریکایی از ژانر وسترن گرفتم. من طرفدار پروپاقرص فیلم‌های این ژانر هستم. علاوه بر این فیلم، فیلم دیگر مورد علاقه‌ام جنگ ستارگان (Star Wars)، که موسیقی آن را جان ویلیامز (John Williams) تنظیم کرده بود، به من نشان داد که موسیقی روی فیلم چقدر در پشتیبانی از فیلم می‌تواند مهم و تاثیرگذار باشد. پس از دبیرستان به آمریکا مهاجرت کردم و در دانشکده‌ی موسیقی برکلی (Berklee College of Music) در بوستن به تحصیل موسیقی پرداختم.

بعد از فارغ‌التحصیلی برای هانس زیمر (Hans Zimmer)، آهنگساز آلمانی، کار کردی. چطور از شرکت هانس زیمر (شرکت محصولات کنترل از راه دور) سر در آوردی؟

من آن را یک فرصت محض تلقی می‌کنم. بعد از دانشگاه من در یک گروه موسیقی نوازنده بودم که تجربه‌ی نسبتا موفقی بود. آن زمان در تعطیلات زمستان همیشه برای دیدن پدر و مادرم به آلمان برمی‌گشتم. پاییز سال ۲۰۰۰-۱۹۹۹ میلادی بود که با یک دوست ملاقات کردم، که فروشگاه گیتار داشت و از علاقه و فعالیت شغلی من در زمینه‌ی موسیقی فیلم مطلع بود. هر بار که به آلمان برمی‌گشتم به ملاقاتش می‌رفتم. درست همان زمستان بود که برایش از نوازندگی‌ام در یک گروه موسیقی و این که چقدر به آهنگسازی فیلم علاقه دارم گفتم. او به من شخصی را معرفی کرد که از طریق آن شخص به شخص دیگری معرفی شدم. دو هفته بعد از آن به لس‌آنجلس رفتم و در شرکت محصولات کنترل راه دور شروع به کار کردم.

آیا موقعیت شغلی آینده‌ات را، آهنگسازی مستقل برای فیلم‌هایی مثل مرد آهنی (Iron man) و یا برخورد تایتان‌ها (Clash of the Titans) مرتبط با همکاری با هانس زیمر می‌دانی؟

مسلما بله، او مربی بی‌نظیری بود و من خیلی به او مدیون هستم. اینکه در پروسه ساخت یک فیلم، چه قسمت‌هایی و چطور با هم کار می‌کنند، همین طور نحوه‌ی مذاکره و کار با کارگردان‌ها را از هانس یاد گرفتم.
اولین فیلم‌هایی که آهنگسازی‌اش را انجام دادم با هانس بود: دزدان دریایی کارائیب (Pirates of the Caribbean)، یکی باید کوتاه بیاید (Something’s Gotta Give) و سریال پرندگان تندر (Thunderbirds). همچنین برای فیلم بتمن آغاز می‌کند (Batman Begins) هم با او همکاری کردم، در حالی که در آن زمان درگیر کارهای خودم بودم اما علاقه‌ام به بتمن باعث همکاری در آن پروژه شد.

علاوه بر فیلم، موسیقی متن برای بازی‌های کامپیوتری مثل مدال افتخار (Medal of Honor) و سریال‌های تلویزیون مثل فرار از زندان (Prison Break) نوشتی. از سال ۲۰۱۱ میلادی بود که درگیر پروژه‌ی تنظیم و آهنگسازی موسیقی سریال بازی تاج و تخت، یکی از موفق‌ترین سریال‌های تلویزیونی در سراسر جهان هستی. چطور عضوی از این پروژه شدی؟

این موضوع را مدیون دستیارم هستم. تهیه‌کننده‌ی این سریال نسبت به کار‌های من علاقه داشت. به من یک تلفن شد و یک قرار ترتیب دادیم. قبل از جلسه قسمت‌های فصل اول این سریال برای من ارسال شده بود تا یک بررسی کلی روی سریال داشته باشم. بعد از تماشا فصل اول سریال، نسبت به آن بسیار هیجان‎زده و مشتاق بودم. از همان فصل اول کاملا مشخص بود که سریال پرماجرا، پیچیده و پرطرفداری خواهد بود. پس از آن بود که با تهیه‌کننده‌ی فیلم وارد مذاکره شدم.

سریال بازی تاج و تخت سریال بی‌نظیر، چندمنظوره، با شخصیت‌های متعدد، داستان‌های مهیج و غیرقابل پیشبینی است که برای تلویزیون ساخته شده است. موسیقی متن این سریال را چطور نوشتی؟

این دقیقا اولین سوالی بود که تهیه‌کننده‌ی سریال از من پرسید. از آنجا که تعداد کارکترها، داستان‌ها و شخصیت‌ها در این سریال زیاد و پیچیده است دشوار است تا برای موسیقی متن سریال به نتیجه رسید. همین موضوع باعث شد که تصمیم بگیریم برای پلات‌ها و خانواده‌های مختلف این سریال جداگانه موسیقی متن بسازیم.
به این ترتیب که وقتی شخصیتی از سریال در داستان حضور پر رنگی ندارد یک موسیقی در پس زمینه برای آن کاراکتر در نظر گرفته شده است. اما به محض اینکه شروع به نقش آفرینی می‌کند، دیده می‌شود و روند داستان را تغییر می‌دهد، من هم به عنوان آهنگساز شروع به توسعه‌ی موسیقی متن مربوط به آن کاراکتر می‌کنم. به این ترتیب موسیقی متن سریال در جریان داستان پیشرفت می‌کند.

داستان سریال تاج و تخت در یک دنیای پر رمز و راز و خیالی در جریان است. این در حالی است که موسیقی متن این سریال در دسته‌ی موسیقی مدرن قرار می‌گیرد و هیچ شباهتی به موسیقی متن مرسوم سریال‌ها و فیلم‌های تخیلی ندارد. هدف از تنظیم موسیقی مدرن برای چنین سریالی چه بوده است؟ آیا این تصمیم اتفاقی بوده است؟

مسلما خیر، ما تصمیم گرفیتم برخلاف حال و هوای قرون وسطایی سریال، موسیقی متن آن را متفاوت تنظیم کنیم. حتی عملا از من خواسته شد که در تنظیم موسیقی سریال از ساز فلوت استفاده نکنم؛ سازی که کاربردش در این ژانر فیلم و سریال بسیار رایج است مثل فیلم ارباب حلقه‌ها (Lord of the Rings). پس باید راجع به این که از چه سازی استفاده کنم تصمیم می‌گرفتم. صدای عمیق ویولون سل به نظر خوب می‌رسید. سریال بازی تاج و تخت سریال تیره‌ای است همین باعث شد که به این نتیجه برسم صدای ویولن سل برای موسیقی متن این سریال مناسب است.

در صحنه‌هایی از سریال از فصل اول مثل عشق در چشمان (Love in the Eyes) کاربرد موسیقی قومی به چشم می‌خورد، آیا برای نوشتن این موسیقی از اصالت ایرانی خود هم الهام گرفتی؟

بله و معتقدم موسیقی قومی که در تنظیم موسیقی سریال استفاده کردم، نظر تهیه‌کننده‌گان سریال را به خود جلب کرد. آن‌ها به دنبال یک موسیقی جهانی بودند. من از سازهایی مثل ساز بادی دودوک، از اصیل‌ترین سازهای ارمنیان که صدای متفاوتی نسبت به فلوت دارد و تایکو طبل ژاپنی‌ها در موسیقی متن سریال استفاده کردم. به عنوان یک نوازنده‌ی گیتار اغلب قادر به نواختن هر نوع سازی با سیم هستم و همیشه مشتاق امتحان‌کردن چیزهای جدیدم.

برنامه‌ی تنظیم موسیقی سریال بازی تاج و تخت چگونه است؟

مثل سایر سریال‌های تلویزیونی، سریال بازی تاج و تخت مثل یک فیلم ۱۰ ساعته است. کل یک فصل از ماه ژولای تا دسامبر فیلمبرداری می‌شود. وقتی ساخت یک فصل تمام شده است من شروع به آهنگسازی آن می‌کنم. بعد در جلسه‌ای با تهیه‌کنندگان سریال روی این که موسیقی متن در چه صحنه‌ای باید شروع شود و در کدام صحنه به پایان برسد به توافق می‌رسیم و بعد من شروع به نوشتن موسیقی متن سریال می‌کنم.

منبع: DW

۰

علم و دانش

مراقبت از گیتار از زبان کوردوبا

گیتار مثل موجود زنده می‌ماند، نفس می‌کشد و به راحتی تحت تاثیر محیط اطرافش قرار می‌گیرد. علارغم این که چوب استفاده شده در ساخت گیتار به خوبی خشک می‌شود اما می‌تواند نفس بکشد و تحت تاثیر رطوبت و گرما منبسط یا منقبض شود.

به عنوان یک قانون کلی توصیه می‌شود که گیتارتان را در محل‌هایی که خودتان راحت نیستید قرار ندهید.

به طور مثال داخل اتومبیل گرم، کنار رادیاتور ویا در معرض تابش مستقیم نور خورشید. مراقب باشید که گیتار در معرض تغییرات شدید و یا سریع رطوبتی و حرارتی، به ویژه برای مدت زمان طولانی مثلا بیش از یک شبانه روز، قرار نگیرد.
در حرارت ویا رطوبت بالا چوب گیتار منبسط می‌شود و همین موضوع سبب گرفتگی صدای گیتار می‌شود. به علاوه ممکن است چسب به کار رفته در بدنه‌ی گیتار در اثر این تغییرات محیط حالت چسبندگی‌اش را از دست بدهد یا اینکه اکشن گیتار افت کند و همین سبب گز زدن گیتار شود.
در هوای سرد ویا رطوبت پایین چوب گیتار منقبض می‌شود و ممکن است در نتیجه‌ی آن روی گیتار ترک بخورد.
حرارت و رطوبت مناسب برای نگه‌داری گیتار بدون اینکه آسیب‌هایی از این قبیل رخ بدهد، ۱۵ تا ۳۰ درجه سانتی‌گراد و رطوبت ۴۵ تا ۶۵ درصدی است.

برای تنظیم رطوبت محیط اطراف گیتار می‌توانید از یک دستگاه تنظیم رطوبت سیار کمک بگیرید و آن را داخل کیف گیتار قرار دهید؛ همچنین توصیه می‌شود زمانی که از گیتار استفاده نمی‌شود آن را در داخل کیف یا جعبه آن قرار دهید. به علاوه جعبه‌های مجهز به سیستم تنظیم‌کننده‌ی رطوبت مثل HumiCase هم وجود دارند.

 

در اثر تغییرات دمایی و رطوبتی دسته‌ی گیتار ممکن است دچار خمیدگی و تغییر شکل شود، برای تنظیم این خمیدگی و بازگشت به حالت اولیه‌ی آن باید از میله‌ی تعبیه شده در گیتار «Truss Rod» کمک بگیرید.

نحوه‌ی تنظیم Truss Rod در گیتار

تمام گیتارهای برند کوردوبا مجهز به Truss Rod، میله‌ای سبک و دو طرفه هستند؛ در واقع Truss Rod نام میله‌ای است که درون دسته‌ی گیتارهای الکتریک و آکوستیک (و بعضی از گیتارهای کلاسیک) جای گرفته است. در مورد کاربرد آن باید گفت که سیم‌های گیتار فشار زیادی به دسته‌ی گیتار وارد می‌کنند و همین موضوع باعث خمیدگی آن می‌شود. از طرفی تغییرات آب و هوایی هم می‌تواند روی چوب و در نتیجه گیتار تاثیرگذار باشد. به عبارتی Truss Rod برای جلوگیری از خمیدگی بیش از حد دسته کار گذاشته شده است با چرخاندن این میله در جهت عقربه‌های ساعت می‌توانید فشار سیم‌های گیتار روی دسته را کاهش دهید و خمیدگی ایجاد شده را از بین ببرید. همچنین با چرخاندن پادساعت‌گرد Truss Rod می‌توانید فشار سیم‌ها را بیشتر کنید.

در نظر داشته باشید که تنظیم Truss Rod حتی به اندازه‌ی ۲ تا ۳ میلی‌متر می‌تواند تاثیر قابل توجهی روی راحتی نواختن گیتار داشته باشد. همچنین دسته‌ی گیتار نباید صاف و بدون خمیدگی باشد. میزان استاندارد خمیدگی دسته‌ی گیتار بین ۰٫۰۰۷ تا ۰٫۰۱۷ سانتی‌متر است.

تنظیم تراس راد کار سختی نیست، اما می‌توانید از یک متخصص هم کمک بگیرید.

منبع: گیتار کردوبا

۰

نقد و بررسی

پیانوهای هایلون توسط کمپانی تولید ابزار آلات موسیقی نینگ‌بو هایلون، در کشور چین ساخته می‌شوند.

تاریخچه

نینگ‌بو هایلون در سال ۱۹۸۶ میلادی تولید اجزا و قسمت‌های پیانو را تحت نام کمپانی نینگ‌بو آغاز کرد و در سال ۱۹۹۵ مونتاژ پیانوهای کامل را شروع نمود. کارخانه‌ی مونتاژ پیانو تا سال ۲۰۰۰ تبدیل به یک مجتمع تولیدی کامل شد. در حال حاضر مساحت کارخانه‌ی هایلون بیش از ۴۰۰۰۰ مترمربع است و بالغ بر ۸۰۰ کارگر و کارمند دارد. علاوه بر این هایلون طرح دیگری مبنی بر احداث کارخانه‌ای با مساحت ۲۰۰۰۰ مترمربع در دست اجرا دارد تا حضور پررنگ‌تری در بازار آمریکا داشته باشد. به علاوه کارخانه تولید بدنه پیانو این شرکت هم در سال ۲۰۰۸ افتتاح گردید. علاوه بر ساخت و توزیع برند هایلون، این شرکت پیانوهای برند فیوریخ (Feurich) را نیز تولید می‌کند. به علاوه هایلون به صورت قراردادی برای چندین برند دیگر قطعات و حتی پیانوهای کامل تولید می‌کند. اخیرا هم شرکت هایلون اقداماتی برای تبدیل این شرکت به سهامی عام در بورس شنژن انجام داده است.
در حال حاضر شرکت هایلون چهار خط تولید پیانو دیواری (‌عمدتا دیواری‌های با ارتفاع زیاد) و پنج خط تولید پیانو گرند دارد. در سال ۲۰۱۰ هایلون مدل ۱۳۲سانتی‌متری HU7-P را به بازار معرفی کرد. بنا بر ادعای کمپانی راجع به این مدل، این پیانو صدایی باشکوه و پر قدرت دارد و متناسب با سلیقه و نیازهای متعارف آمریکایی طراحی شده است. در این مدل یک پدال میانی وجود دارد که مکانیزم پدال سوستنوتو (sostenuto) را کاملا می‌تواند پوشش دهد.
(در نظر بگیرید که ممکن است نام مدل‌هایی که در این مطلب ذکر می‌شود با آنچه بر روی فریم چدنی پیانو هایلون شما حک شده است تفاوت داشته باشد. دلیل این موضوع این است که هایلون برای بازارهای چین و آمریکا، نام‌های متفاوتی را در نظر می‌گیرد. اما طراحی کلی این پیانوها با هم یکسان است ولی به گفته هایلون قطعات پیانو برای بازار آمریکا کیفیت بالاتری دارند.)

برند امرسون

نمایندگی هایلون در آمریکا به تازگی قصد دارد تا چند مدل گرند و دیواری جدید را تحت برند امرسون (Emerson) معرفی کند. (‌این مدل‌ها در گذشته تحت عنوان سری وین (Vienna) هایلون تولید می‌شدند).
شرکت W.P. Emerson در سال ۱۸۴۹ توسط ویلیام پی. امرسون تاسیس شد اما بعدا به Emerson Piano Co تغییر نام داد. این شرکت که در بوستون قرار داشت به نقطه‌ی عطف نوازندگان باتجربه با تکنولوژی‌های جدید تبدیل شده بود و توانست به یکی از بزرگترین تولیدکنندگان پیانو در آمریکا تبدیل شود و پیانوهای تولیدی‌اش را به سایر کشورها نیز صادر کند. به گفته بخش فروش امرسون، این شرکت قصد دارد همانند قبل دنیای گذشته و تکنولوژی امروزی را با هم ادغام کرده و با استفاده از تامین‌کنندگان آمریکایی، اروپایی و آسیایی صنعت تولید پیانو مرسوم غرب را با قیمتی کمتر میسر سازد و صدای گرم پیانوهای وین را با پیانوهای امرسون ایجاد کند.
پیانوهای امرسون توسط تیم بین‌المللی از طراحان پیانو که اغلب آنها ارتباط نزدیکی با شرکت هایلون دارند طراحی شده و توسط شرکت هایلون ساخته می‌شوند.
چوب مورد استفاده برای ساخت صفحه صدای این پیانوها از درختان کوه‌های آلپ واقع در شمال اتریش تهیه می‌شود. بخش انتهایی پیانو گرند امرسون در مقایسه با دیگر گرندها عرض بیشتری دارد و برای ساخت پل‌ها از لایه‌بندی عمودی استفاده شده است. کلاویه‌ها لمس سنگین‌تر و سرعت تکرار اکشن بالاتری دارند. در پیانوهای دیواری امرسون نوعی سیستم دوتایی منحصربه‌فرد به نام ترایگان (TriGon) به کار گرفته شده است. وزن بالای این صفحه موجب می‌شود تا قدرت صدای پیانو افزایش یابد و صفحه صدا بهتر ارتعاش کند. خریداران پیانوهای امرسون غالبا تا هجده ماه پس از خرید از شرکت هایلون یک متخصص ماهر جهت بازدید از پیانو درخواست می‌کنند. بصورت معمول انجام این کار یک روز کامل برای انجام خدمات رگلاژ و صداسازی با بهترین کیفیت صرف می‌شود.

HLPS و HLPS Plus

در سال ۲۰۱۱ هایلون از مکانیزمی در پیانوهای گرند خود رونمایی کرد که کاربرد آن موجب می‌شد درب پیانو به آرامی بسته شود. هایلون از این طرح با عنوان Hailun Limb Protection System یا به اختصار HLPS نام می‌برد. این سیستم در کارخانه و در حین مونتاژ بر روی پیانوها نصب می‌شود. با نصب این سیستم حتی یک بچه‌ی خردسال هم می‌تواند به سادگی درب سنگین پیانو گرند را باز کند و این سیستم به خوبی از افتادن آن بر روی بازو و دست جلوگیری می‌کند.
نوع دیگری از HLPS وجود دارد که HLPS Plus نامیده می‌شود و تنها بر روی مدلهای وین نصب می‌شود. با نصب این سیستم نوازنده می‌تواند درب را در هر ارتفاعی که تمایل دارد بدون نیاز به پایه تنظیم کند. بنابراین این سیستم علاوه بر ایجاد ایمنی، به نوازنده این امکان را می‌دهد تا میزان خروج صدای پیانو را در هر سطحی که تمایل دارد تعدیل کند.

چن هایلون

شرکت هایلون با تمامی شرکت‌های چینی که پیانو به آمریکا می‌فروشد کمی تفاوت دارد. چِن هایلون (Chen Hailun)، صاحب و مدیر عامل هایلون یک کارآفرین تمام‌عیار به سبک و سیاق غرب است و به تمام بخش‌های این تجارت تسلط کامل دارد. او که ابتدا تولیدکننده قالب‌های صنعتی بود با ساخت قطعات برای سایر سازندگان پیانو وارد دنیای ساخت پیانو شد. او در سال ۱۹۹۸ سهم دولت در شرکت هایلون را به طور کامل خریداری کرد تا کنترل کیفیت و تصمیمات استخدامی بهتری داشته باشد.
در کنار به‌کارگیری پیشرفته‌ترین تجهیزات و روش‌های تولید در کارخانه هایلون، حجم بسیار زیادی از ظریف‌کاری‌ها و تنظیمات دقیق و کنترل‌ها توسط دست انجام می‌شوند. آقای چِن هایلون با پرداخت دستمزد بالاتر نسبت به سایر تولیدکنندگان پیانو بازار، بهترین متخصصان و کارکنان را استخدام می‌کند. همچنین کارکنان خود را با کمک افراد متخصص ماهر از آمریکا و اروپا آموزش می‌دهد. هایلون همچنین با یک دانشگاه محلی در تربیت افراد متخصص در این حرفه همکاری می‌کند.
در طی سالهای گذشته بیشترین تلاش‌های چِن هایلون متمرکز بر افزایش دقت و پایداری کیفیت پیانوها و قطعات متمرکز بوده است. این موضوع را می توان در سرمایه‌گذاری‌های چشمگیر این شرکت در خریداری و بکارگیری ماشین‌های برش و ابزارهای کامپیوتری مشاهده نمود. به طور مثال هایلون به کمک دقت و کیفیت حاصل شده، قادر به طراحی اکشنی است که قابلیت نصب بر روی تمامی مدل‌های گرند را دارد.

کیفیت

پیانوهای ساخت هایلون از طراحی هوشمندانه و کنترل کیفی بسیار خوبی برخوردارند. هایلون در پیانوهای گرند خود از چوب افرا برای تولید قاب بیرونی استفاده می‌کند که این کار بیشتر در پیانوهای گرند حرفه‌ای مرسوم است و در مقایسه با سایر چوب‌ها کیفیت صدای بهتری را تولید خواهد کرد. در سال ۲۰۱۱ هایلون تصمیم گرفت تا در ساخت صفحه صدا از جنس صنوبر اتریشی خودکفا شود و برنامه‌هایی هم برای استفاده از آن‌ در تولیداتش دارد.

برای دستیابی به بالاترین استانداردهای کیفی، هایلون گروهی از شناخته‌شده‌ترین متخصصان را از ژاپن، اروپا و آمریکا استخدام کرده است. در سال ۲۰۰۹ برای کمک و نظارت بر عملکرد کیفی تولیدات هایلون، Rolf Ibach، مالک شرکت Rud. Ibach Sohn نیز به استخدام شرکت هایلون درآمد. این شرکت یکی قدیمی‌ترین و شناخته‌شده‌ترین تولیدکنندگان اروپایی به شمار می‌رفت که در سال ۲۰۰۸ پس از ۲۰۰ سال فعالیت، این بیزینس را ترک کرد.

خدمات پس از فروش

شرکت هایلون آمریکا طرح‌های متعددی را برای تسریع خدمات پس از فروش شروع کرده است و تلاش می‌کند تا میزان رضایت مشتریان را به طور مرتب ارزیابی کند. هایلون همچنین طرحی با نام «برنامه‌ی تضمین رویایی هایلون» (Hailun Dream Assurance Program) را معرفی کرده است که در آن شرکت هایلون تضمین می‌کند در صورتی که در بازه‌ی ۹۰ روزه مشتری از صدای تولیدی پیانو راضی نبود می‌تواند پیانو دیگری از همان مدل را انتخاب و با قبلی تعویض کند. و اما طرح سرویس طلایی هایلون (Gold Service Program) به این ترتیب است که هر مشتری می‌تواند در حد فاصل ۶۰ تا ۱۸۰ روز از تاریخ خرید، یکبار به صورت رایگان از سرویس پیانو بهره‌مند شود.

برند کلاین

هایلون آمریکا برند کلاین (Cline) را مجددا در قالب پیانوهای رده‌ی مقدماتی وارد بازار کرده است. این برند فروش پیانو را در سال ۱۸۸۰ در شهر تاکوما ‌شهری در غرب واشنگتن آغاز کرد و در سال ۱۸۸۹ بود که با نام خود وارد بازار شد. تا سال ۱۹۲۰ توانست دامنه فعالیت خود را به سایر شهرهای آمریکا گسترش دهد و به یکی از بزرگترین تولیدکنندگان پیانو در غرب آمریکا تبدیل شود. در دهه‌های ۸۰ و ۹۰ قرن بیستم این شرکت پیانوهای خود را توسط سازندگان دیگر تولید و تحت نام کلاین به بازار عرضه ‌کرد.

در حال حاضر برند کلاین دو مدل پیانو دیواری با ارتفاع ۱۱۸ و ۱۲۲ سانتی‌متر و همچنین یک مدل گرند با طول ۱۵۰ سانتی‌متر تولید می‌کند. مدل گرند مجهز به سیستم HLPS است . به علاوه در صورت درخواست مشتری امکان نصب سیستم سایلنت MG بر روی تمامی مدل‌های دیواری و گرند وجود دارد. با نصب این سیستم این امکان فراهم می‌شود تا پیانو هم به صورت دیجیتال و هم به صورت آکوستیک مورد استفاده قرار گیرد. این سیستم برای نوازندگانی که به هنگام تمرین با محدودیت صدا مواجه هستند بسیار توصیه می‌شود. این سیستم علاوه بر امکان تمرین با هدفون، مجهز به مترونوم دیجیتال و سیستم ضبط با فرمت MIDI است.
و یک سرویس ویژه آن هم اینکه خریداران پیانو کلاین در آمریکای شمالی: چنانچه قصد خریداری یکی از گرندهای پتروف، هایلون، امرسون ویا ساتر را دارند، می‌توانند پیانو کلاین خود را با همان قیمتی که خریداری کرده بودند به شرکت تحویل دهند.

شرایط گارانتی (در آمریکا):

پیانو هایلون

تمامی قطعات و هزینه‌ تعمیرات به مدت ۱۵ سال تضمین می‌شود و این گارانتی قابل انتقال به خریدار دوم است. (البته در صورتی که همچنان در بازه‌ی ۱۵ سال باشد.)

پیانو کلاین

تمامی قطعات و هزینه‌ تعمیرات به مدت ۱۰ سال تضمین می‌شود و این گارانتی قابل انتقال به خریدار دوم نیست.

پیانو امرسون

تمامی قطعات و هزینه تعمیرات به مدت ۵ سال تضمین می‌شود و این گارانتی قابل انتقال به خریدار دوم نمی‌باشد. به علاوه قطعات الکترونیکی به مدت یکسال برای خریدار اول ضمانت می‌شود.

منبع: Piano Buyer

۰

PREVIOUS POSTSPage 1 of 3NO NEW POSTS